В Киеве выступил пианист и композитор, основатель легендарных «Братів Блюзу» Мирослав Левицкий. Это уже второй концерт в столице в рамках тура в поддержку сольных альбомов Elegant Dualism (2014) и In Piano (2017). Первое выступление с успехом состоялось осенью прошлого года. Как и тогда, вместе с Мирославом Левицким сыграл давний музыкальный соратник скрипач Кирилл Стеценко. На этот раз концерт прошел на открытой площадке — магнетические и медитативные звуки фортепиано и скрипки заполонили террасу во дворике клуба «ХЛАМ» («Художники, писатели, артисты, музыканты») на Подоле.
Мирослав Левицкий выбрал путь пылкого и самоотверженного служения музыке. Уже в течение многих лет ему удается не менять этот выбор. Сегодня творчество музыканта находит отклик на Западе — именно там происходит большинство концертов, там удается найти партнеров для совместных экспериментов. В частности, альбом Elegant Dualism появился по сотрудничеству с известным нидерландским джазовым гитаристом и композитором Рэнсом Ньюланд (Rens Nieuwland), который живет и работает в Австрии. Однако и в Украине есть немало поклонников, для которых каждое выступление Мирослава Левицкого и «Братів Блюзу» этот праздник. Не важно, что иногда их приходится ждать годами.
«ОНЛАЙН-КОНЦЕРТЫ НЕ ВЫЗЫВАЮТ ЭНТУЗИАЗМА»
— Мирослав, каковы ваши впечатления от тура в целом и почему решили снова вернуться к киевским слушателям?
— Дело в том, что клуб «ХЛАМ» не слишком большой и в прошлый раз он, к сожалению, не смог вместить всех желающих. Я очень люблю выступать в Киеве. С этим городом меня немало связывает — у нас было здесь много замечательных творческих проектов, встреч, выступлений.
В рамках этого европейского тура уже состоялось 11 концертов в Португалии, два концерта в Испании. Я постоянно выступаю с новыми музыкантами, которые представляют различные страны и различные стилевые направления. Например, в Португалии я играл сольные пиано-концерты вместе с Tamzie Fransen, вокалисткой Boney M. Xperience (Нидерланды), интересными сессионными музыкантами Tony De Sousa (Австралия, барабаны), Lapa Monteiro (Португалия, гитара), Kush Lescrooge (Великобритания, саксофон), Aury Santos (Бразилия, перкуссия), Gerrit Ekkelnkamp (Нидерланды, гармоника). Впереди еще должны быть выступления в Испании, Франции, Чехии, Бельгии... Пандемия внесла свои коррективы — сейчас планировать что-то непросто. Понемногу, осторожно стараюсь восстанавливать концертную деятельность. В сентябре должны состояться выступления в Испании.
— А чем вы занимались во время карантина?
— Я был в Украине, работал над новым материалом и готовился к записи следующего альбома. Надеюсь, запись состоится в конце этого или начале следующего года.
Безусловно, музыкальная индустрия сильно пострадала от пандемии. Онлайн-концерты не вызывают у меня особого энтузиазма. Такие встречи без контакта со слушателями выглядят довольно пресно. Фактически, единственное, что остается в этой ситуации, — писать музыку. К счастью, это можно делать и дистанционно — каждый музыкант записывает свою партию, направляет ее, затем происходит сведение, мастеринг. Именно в таком режиме мы работали над пластинками The City That Never Sleeps (2011) и Elegant Dualism (2014). Альбом In Piano (2017) я записал в Киеве, над объединением треков работали саундпродюсеры из разных стран. В то же время живое общение музыкантов образует особую творческую атмосферу и энергетику. Это очень ценный опыт, который невозможно воспроизвести онлайн.
«НАДЕЮСЬ, МОЯ НОВАЯ МУЗЫКА ПОДАРИТ СЛУШАТЕЛЯМ НАДЕЖДУ И РАДОСТЬ»
— Следующий альбом будет Мирослава Левицкого или «Братів Блюзу»?
— Пока не могу сказать точно. Мы еще будем обсуждать этот вопрос. Барабанщик Андрей Винцерский и саксофонист Олег Левицкий уже шесть лет работают на Тайване, поэтому все не так просто. Последний совместный концерт «Братів Блюзу» состоялся в 2013 году в Киеве. В любом случае планирую, что на этой пластинке, кроме меня, будут звучать и другие музыканты.
Очень надеюсь, что моя новая музыка подарит слушателям надежду и радость. Мне кажется, нам всем сейчас не хватает этих положительных эмоций.
— За вашими плечами уже большая музыкальная история. Пытаетесь анализировать эволюцию собственного творчества? Возможно, видите здесь развитие в определенном направлении или же элемент самопреодоления. Или все же ключевыми всегда является ощущение и переживание здесь и сейчас?
— Именно так. В своей музыке стараюсь чувствовать и осмысливать те события и идеи, те видения, которые со мной сейчас. Это большое счастье, когда удается в творчестве точно выразить свои переживания. Анализировать прошлое не хочу. Думаю, для творчества вообще очень важно чувствовать сегодняшний момент.
Возвращаться к старому материалу, создавать кавер-версии своих композиций вообще не люблю. Хотя иногда это интересно, все же преобладает желание делать новую актуальную музыку. Для этого стараюсь анализировать и отслеживать все важное, что происходит в музыкальной сфере в мире, — новые тенденции, темы, звуки. Обращаюсь к разным стилям и направлениям. В то же время абстрагируюсь от коммерческих запросов индустрии. Итак, как музыкант и композитор я хочу быть актуальным, но вместе с тем стараюсь сохранить собственную индивидуальность, определенный присущий мне взгляд на музыку.
О ФОРТЕПИАНО КАК ОБ ОРКЕСТРОВОМ И МИРОВОЗЗРЕНЧЕСКОМ ИНСТРУМЕНТЕ
— Что поразило из услышанного в последнее время?
— Мое внимание обычно привлекают музыканты, которые уже имеют за собой весомый профессиональный бэкграунд, но одновременно стремятся идти вперед. Это непросто, потому что всегда есть риск разочаровать аудиторию. Например, у клавишника Genesis Тони Бэнкса вышел замечательный сольный альбом Five (2018). Он демонстрирует в нем очень интересное симфоническое видение. Питер Гэбриэл, Макс Рихтер — это музыканты, которые экспериментируют, но одновременно ощущают свою эпоху. Они ищут музыку на стыке разных цивилизаций. Это разновидность творчества, которая в чем-то близка к научной работе. Вы можете услышать здесь и симфоническую музыку, и R & B, хип-хоп, рэп. В то же время такая музыка имеет свою яркую индивидуальность — узнать автора можно уже по нескольким нотами.
К сожалению, в общем сейчас очень много одинаковой музыки — одна пластинка похожа на другую. Те же звуки, мотивы, даже тексты. Если музыка напоминает то, что уже было, ее легче продать. На творчество такой подход влияет пагубно. Почему нам и сейчас так нравится музыка 60-х годов? Каждый музыкант, каждая группа не была тогда похожа на другие.
— Фортепианная музыка сегодня все еще актуальна?
— Безусловно. В последнем альбоме In Piano (2017) я стараюсь представить фортепиано не просто как инструмент, который отражает красоту определенного пассажа, правильность фразы или виртуозность музыканта, но прежде всего как оркестровый, мировоззренческий инструмент. Фортепиано дарит музыканту и композитору целую вселенную. Это полифонический, многоцветный и очень разнообразен инструмент, который дает бесконечные возможности для выражения — здесь и мелодия, и гармония, и ритм.
— Стриминговые сервисы и новые интернет-платформы не пошли на пользу индустрии?
— Пока не вижу, чтобы они дали какой-то качественный импульс, скорее наоборот. Для меня важно прийти в музыкальный магазин, заплатить деньги за компакт-диск или винил, затем принести его домой и слушать. Когда же у человека тысячи композиций в плеере, разные темы, дайджесты, но на самом деле она ничего не слушает, только перемотка по несколько секунд, перескакивает с трека на трек, такой подход не для меня.
Думаю, в свое время в 80-е, 90-е годы, когда альбомы популярных исполнителей стали продаваться миллионными тиражами, большие музыкальные корпорации почувствовали определенную угрозу. Влияние музыкантов росло и уже вскоре они могли начать диктовать им свои условия. Стриминговые сервисы, интернет-платформы, а также новые доступные виртуальные инструменты, благодаря которым музыку может создать практически каждый, сыграли на руку гигантам индустрии. Когда сделанный начинающими с помощью компьютерных шаблонов и сэмплов трек собирает миллионы прослушиваний, желающих прислушиваться к музыкальным авторитетам меньше. Внешний блеск и шум теперь имеет все большее значение.
«НЕОБХОДИМО БОЛЬШЕ РАЗНООБРАЗИЯ, БОЛЬШЕ ЭКСПЕРИМЕНТОВ»
— Вы один из немногих отечественных музыкантов, которым удалось достичь признания на Западе, заинтересовать тамошнего слушателя. Как пришли к этому? Достаточно создать стоящий материал или все же приходится немного быть продюсером самому себе?
— Музыканты — это большая семья. Очень часто музыкальные группы образуют люди, которых связывают давние дружеские отношения. Так было и у нас. Близкие ценности, общее видение, примерно одного возраста — это те факторы, благодаря которым появились «Брати Блюзу». В какой-то момент мы осознали, что должны создавать вместе. Это очень ценный опыт. Когда вы создали собственную музыку, важно научиться продвигать ее, находить партнеров, студии звукозаписи, заинтересованных слушателей среди журналистов.
На Запад мы впервые попали в 1994 году благодаря фестивалю «Червона рута», который организовал тур украинских музыкантов по Европе. Мы, в частности, сыграли в Париже в штаб-квартире ЮНЕСКО. Тогда о нас узнали, появился определенный интерес со стороны медиа, промоутеров. В следующем году мы снова выступали в Европе. Впоследствии были знакомство с немецкой музыкальной компанией BMG, выступление на главной сцене фестиваля Sziget в Венгрии. Речь идет о многих постепенных шагах, которые приближали нас к цели. В этом деле от собственных усилий зависит немало, но не все. Главное — быть готовым к тем шансам, которые могут дать вам студия, издатель или фестиваль.
За музыкантами «Братів Блюзу» всегда «охотились» другие исполнители, продюсеры. Каждый хотел взять их в тур или пригласить для записи в студии. Для меня это является показателем определенного класса группы. В то же время я пытался оберегать творчество «Братів Блюзу» от влияния коммерческих факторов — от требований и советов продюсеров, издательств. Какую музыку играть, решали только мы сами.
К сожалению, музыкальная индустрия в Украине зависима от финансово-политических корпораций. Думаю, пока эта ситуация не изменится, исполнителям с историей наподобие той, которая есть у «Братів Блюзу», будет непросто реализоваться здесь. На Западе, мне кажется, индустрия стремится достичь определенной независимости от финансово-политических воздействий. Там в большей степени обращают внимание на саму музыку.
— Сегодня говорят об определенном подъеме музыкальной сферы в Украине, что обусловлено, в частности, введением квот на радио и ТВ. Вы видите качественные изменения?
— Скорее количественные, нежели качественные. Украинских исполнителей и музыки действительно стало больше, и это хорошо. С другой стороны, по моему мнению, в 90-х у нас появлялось больше качественной и аутентичной музыки. Думаю, только квотами существенных сдвигов достичь будет трудно. Должны быть также магазины, в которых люди покупают музыкальные пластинки, гранты для исполнителей, продюсеров и издателей музыки, качественные фестивали. На радио должна звучать не просто украинская музыка, но также украинская музыка различных стилей. Нужно больше разнообразия, больше экспериментов. Если государство решило формировать культурную политику, она должна быть комплексной.
СПРАВКА «Дня»
Мирослав Левицкий — род. в 1963 г. Пианист, композитор, продюсер, основатель и лидер джазовой рок-группы «Брати Блюзу» (с 1992 г.), член австрийского союза авторов, композиторов и музыкальных издателей АКМ. Выпустил три сольных пластинки и четыре альбома совместно с «Братами Блюзу».
